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2019年1月17日 (木)

ルーベンス展

ルーベンス展を見た(上野、西洋美術館)。

美術史とは直接関係なく、極私的に関心に引っかかったことが2つあった。1つは「サウルの改宗」で、このところ宗教改革や改宗に関心を持っているので、こういう主題の絵に目が止まる。
もう1つは年表を見ていて、ルーベンスが1600年くらいにイタリアに出てきて7、8年滞在するのだが、マントヴァのゴンザーガ家のお抱えになっていることだ。つまりモンテヴェルディと同僚になっている。年齢でいうとモンテヴェルディが10歳年長である。美術館の年表には、ルーベンスがフィレンツェに1600年に行ったように書いてあったと記憶するが(記憶違いかもしれない)、ウィキペディアで調べてみるとそのあたり曖昧で、フィレンツェをへてローマに行ったということしか確認できなかった。ルーベンスに関する伝記を読めばもっと情報が出てくるのかもしれない。手元にあるモンテヴェルディに関する本2冊を調べた限りではそれ以上の情報は出てこなかった。
マントヴァのゴンザーガ家は、文学者もタッソーやグァリーニを抱えており、マントヴァの宮廷の文化度の高さは比類のないものだったと言えよう。
ルーベンスがイタリアに来てイタリアの画家から学んだのはわかるが、それ以降のイタリアの画家がルーベンスから影響を受けたというのは意外だった。

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2019年1月13日 (日)

コンクール番組

年末・年始にかけて コンクールに関する番組を4本観た(NHK Eテレ)。

4本という数え方は正確ではないかもしれない。日本音楽コンクールは声楽やヴァイオリン、ピアノ、クラリネット、トランペットに分かれているからだ。あとの3つは、ショパン・コンクール(数年前の再放送)とショパン・コンクールの古楽器版と左手のためのピアノコンクールだった。
ショパン・コンクールでは、奏者だけでなく、ピアノメーカーおよびその調律師の熾烈な戦いもあるのだと知った。具体的にはスタインウェイ、ヤマハ、カワイというピアノメーカー(およびその調律師)が、決勝進出者、そして優勝者に自社のピアノを使ってもらいたいと願い競争しているわけだ。
古楽器(ショパンの当時の楽器あるいはそれをコピーした楽器)を用いたショパン・コンクールも、ピリオド楽器への一般聴衆への浸透がここまできたのか、あるいはこの時代にまで来ているということを示しているし、また実際聞いてみると、フォルテピアノから現代のコンサートピアノというのは、ものすごい勢いで進化・変化したので、例えばモーツァルトの時代とベートーヴェンの時代、さらにはショパンの時代で違うし、もっと言えばベートーヴェンの時代の中でどんどん鍵盤の鍵の数が増えるし、フェルトの素材やフェルトと皮の組み合わせも工夫が凝らされて行ったわけである。作曲家が使っていた当時の楽器(またはそのコピー)で聞いてみたいという気持ちはよくわかる。だからピアニストにもこういうピリオド楽器を専門とする人が出てきつつある。
左手のピアノのコンクールは、歴史的にはヴィットゲンシュタインが第一次大戦で左手だけになってしまって多くの作曲家に委嘱して左手だけで弾くレパートリーがあるわけだが、現代の左手のコンクールの出場者は様々な原因で右手が思うようには動かなくなり転身している人たちだ。このコンクールはアマチュア部門とプロ部門に分かれていてプロ部門ではタイからの出場者もいた。身体の不自由さと、こういうジャンルがあることでの希望とが何人かの出場者に対する丹念な取材とともに描き出されていて見応えがあった。つまり、安易なストーリーに落とし込まず一人一人が抱えてきた困難のあり方の違いが見えてくるのだった。
日本音楽コンクールは、若い人たちが真剣に音楽に向き合っている様はよろしいのであるが、ピアノやヴァイオリンでレパートリーにあまりに20世紀のものが少ないのが気になった。ピアノはラヴェルの協奏曲 を弾いた人が複数いたがそれ以外のものは無し、ヴァイオリンではバルトークの協奏曲を弾いた人が1人いただけなのだ。バルトークもプロコフィエフも今や全く古典だと思うのだが。。。
(お断り)全て録画した見た番組なので、放映の順番とは一致していないと思います。

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《アシャー家の崩壊》

ドビュッシー作曲のオペラ《アシャー家の崩壊》を観た(白寿ホール、代々木公園)。

ハクジュホールは初めてだったが、地下鉄の代々木公園駅から5分ほど歩いたところにあり、白寿生科学研究所本社ビルの7階にある。座席は300席で平土間というか1階のみである。ちょっと驚いたのは、左右に透明の反射板があり、ガラスのように見えたが、いやいやアクリル板だろうかと思い、ネットで調べてみるとガラスだという。反射板の類は舞台上のものは木で出来ていたので、デザイン性と音響性を共に考えてのことなのだと思う。
ドビュッシーの《アシャー家の崩壊》は今回初めて見たが、そもそも上演は少ない。というのも未完に終わっているからだ。今回の上演は青柳いずみこ(敬称略、以下同様)が中心になって、作曲家市川景之が補筆したバージョンで、青柳と市川の連弾でピアノによる伴奏。市川は謙虚に試補筆版と称している。
プログラムは2部からなっていて、第一部は「スケッチ・ブックから」(1904)がピアノ曲。ついで歌曲集「ビリティスの歌」(1897-98)。ソプラノの盛田麻央と青柳のピアノ。盛田の歌唱は実に声の質も音楽表現としても見事であったが、ビリティスの歌のように歌詞が高度に文学的なものでは適切な字幕が出るのがありがたい。今回はなんと高橋悠治による訳なのだ。正面にかなり大きな字で歌詞が写し出されるので今どういう内容を歌っているのかがよくわかるし、ホールが小ぶりなおかげで声の存在感は圧倒的なものとなった。非常に贅沢な経験である。ついでバリトン根岸一郎と青柳のピアノで「眠れない夜」(1899-1902)。初めて聞いた2局であったが、歌詞はドビュッシー自身のもの。第一部を締めくくったのは、2台ピアノに編曲された交響詩《海》。これがただの編曲ではなく、カプレにより6手つまり3人が弾くのだ。1台は森下唯が弾き、もう1台は青柳と田部井剛の連弾で、この版は日本初演だという。普段、オーケストラで聴き慣れているものだから、低音部の音型などはここはこうなっていたのか、という箇所がいくつもあった(オケだとブンブンと鳴っているのはわかっても、音型までは耳がフォローしていなかった箇所)。また、全部のパートがピアノの音色で重なっていくので、音の重なりが厚い部分ではミニマル・ミュージックのもわれのように響いたりして興味深かった。大いに刺激を受けて、帰宅してからアンセルメ指揮によるオーケストラ版を聞き直したほどである。
休憩を挟んで、第二部がオペラ《アシャー家の崩壊》だったが、青柳と補筆した作曲家市川によるプレトークがあった。あまり馴染みのない曲であるし、どのようにどこを補筆したかの説明もあって大変有意義だった。ドビュッシーはシェイクスピアも好きで《お気に召すまま》のリブレットを書かせて、あれこれ注文をつけていたのだが、全く作曲には手をつけなかったらしい。この《アシャー家の崩壊》ではポーの原作にかなりの手を入れ、ロデリックとマデリーヌの年齢が近かったものを年を離し、医者の役割も、医者がマデリーヌを密かに恋しているなど役割を変えている。ドビュッシーはどこに悩んだのかは詳細を見ていないので不明だが、リブレットを何度も書き換え3つの版があるという。終結部分が作曲されているものとは別のバージョンで上演したため、市川は終結部分を新たに作曲し直している。
弦楽四重奏曲との関係や、どの部分が補筆かなどの解説があった後、上演された。
ロデリックは松平敬(バリトン)。やはり小ホールの強みで、彼の表現の幅の広さが生かされていた。マデリーヌが盛田麻央。出番は多くはないがもちろん重要な役どころ。医者は根岸一郎(バリトン)。友人は森田学(バス)。この二人の会話は、メロディのついた部分と作曲されていないため音楽のない部分がある。
プログラムの構成も含め、ドビュッシーの既知(聴衆の多くにとって)の部分をなぞるのではなく、埋もれていた部分を積極的に見せていこうという試みで、知的にエクサイティングであり、かつ音楽的に充実していた。
大ホールが悪いわけではないが、小ホールならではの魅力、音の経験があることを強く感じた夕べだった。

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