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2018年2月28日 (水)

《アルチーナ》その2

ヘンデルのオペラ《アルチーナ》を観た(カールスルーエ)。

今回は前から2列目で指揮者のすぐ斜め後ろという感じ。ピットがあまり深くないので、演奏者の動きや視線まで見える。筆者は指揮者やオーケストラの演奏が気になるたちなので、この日はかなり贅沢に、指揮者とオケ団員の動きが観察でき、それがいかに音楽に反映されているかを如実に知ることができて幸せだった。この演奏に限ったことではないが、カールスルーエでのヘンデルの演奏会ではPAがなく、純粋に古楽器の音色を心ゆくまで堪能できるのも大きな美点である。大都市の大劇場では叶わぬ贅沢である。
この位置になるとテオルボ、リュートやチェンバロの音は一層よく聞き取れる。周知のように、弦楽器が複数で鳴らした場合、チェンバロの音はやや小さく、テオルボやリュートは一層小さい。しかし、ニュアンスに富んだ音であり、古楽器の合奏であると一味違うと思う。
ヘンデルのオーケストレーションは《アルチーナ》では実に多彩であり、かつドラマの進行していく中で登場人物の置かれた状況や感情を雄弁に物語るものとなっている。多くの楽器が鳴っている時もあれば、同じアリアの中でヴァイオリンのソロが出てくる場面があったり、また別のアリアでは、曲の途中でチェロとテオルボ、チェンバロといった通奏低音グループだけになったりする。それが実演で聴いているとその変化が実に効果的なのである。ヘンデルを聴いているとダ・カーポ・アリアには無限の可能性があると思える。それはつまり、俳句や和歌が5・7・5や5・7・5・7・7を原則としながら無限の可能性があるのにも通じるかもしれない。
また、指揮者シュペリングは、楽員への指示が実に音楽的に納得のいくもので、彼の手にかかると、歌の伴奏で同じ音型が繰り返されるところでもそれが音楽的に聞こえるし、音型が変わるとニュアンスが変わることにまた新たな音楽的喜びを見出す。つまり、彼の指揮とそれに応えるヘンデル・ゾリステンの演奏からはヘンデルの音楽の持つ変幻自在の表情の豊かさが音楽的喜びをもって次から次へと開示されるのである。筆者は、何種類かのDVD、CDでこの曲を何度も聞いているのだが、音楽的なニュアンスを教えられることが多く、発見の喜びに満ちている演奏だ。
細かい点では、チェロの第一奏者は通奏低音の場面で柱となることが多いが、彼は要所要所で指揮者を見る。シュペリングはオケ全体が鳴っている時に、すごく細かく指揮をする時もあれば、流れに任せる時もあって、オケ全体が呼吸するような指揮でとても好ましい。オケも乗ってきて、自然に頭や体の揺れが楽員間で揃っていることがままあり、こちらも心がスイングする。
面白かったのは、テオルボの奏者は指揮を見ることもあれば、チェンバロ(とオルガンを弾き分ける)奏者と目で合図しながら、打音点を合わせていることもしばしばあったことだ。
今回は、歌手はアルチーナ役のレイラ・クレアがとても良かった。過剰でなく感情を込め、声が実によく響いていた。モルガーナ役のクバスークルックも同様。二人の魔女が声の存在感では他を圧倒していた。
オロンテのテノールも歌のスタイル、発声、イタリア語の発音ともに良かったが、オロンテにはあまりいいアリアがないのが残念だった。
ブラダマンテには強力なここぞというアリアがあって(例えば第一幕の嫉妬のアリア)オケも雄弁に盛り上げてくれるのだが、マッツカートは、歌の姿は整っていて好ましいのだが、そういう場面でのパンチの効いた声量がない。
メリッソのニコラス・ブラウンリーは反対に、声量は溢れるほどあるのだが、リズム感や歌のスタイルにおいて優雅さに欠けるのだった。
オベルト(父を探す少年)のカリーナ・シュミーガは各要素バランス良く、文句はない。
忘れてはいけない、カウンターテナーのデイヴィッド・ハンセン(ルッジェーロ役)。彼には強力なアリアがいくつもある。第三幕の虎のアリア(ヒルカニアの岩穴に怒りに燃えたメス虎がいる。。。というアレゴリカルなアリア)はオケがここではホルンも加わり最も演奏者の数も多く、テオルボも弾き振りがバンジョーのようになってアタック音を激しく聞かせるところだが、ハンセンも輝かしい高音を張り上げ、炎の点いた剣を振りかざして熱演だった。ハンセンの良いところは、音楽的なライン(単に息継ぎの問題ではなく)が長く、曲の流れが見通せる歌い振りであることだ。残念なのはイタリア語の発音が悪く、言葉がほとんど聞き取れない(たまに聞き取れる程度)ことだ。
オケと指揮があまりに素晴らしいので、歌手に求める水準もついつい高くなってしまう。
こんなに批判的なことも書いてしまったが、筆者の満足度は極度に高く、こんな演奏・上演には数年に一度遭遇すれば幸運だと思えるほどであった。感謝。感謝。

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2018年2月27日 (火)

室内楽コンサート

ヘンデル及び同時代の作曲家の室内楽コンサートを聴いた(カールスルーエ、州立劇場小ホール)。

オペラを上演するのと同じ建物なのだが、オペラは大ホールで、こちらは小ホール。上野の文化会館のような感じであるが、大ホールは文化会館よりはるかに小ぶりである。小ホールは文化会館と比較すると客席に傾斜があって半2階のような部分がある。
楽器編成がちょっと変わっていて、チェロが2丁、コントラバスが1丁そしてチェンバロである。4人で演奏する曲目が中心だが、フローベルガーのように、チェンバロの独奏曲もあった。
演奏会のタイトルが「エロスとタナトス」(性愛と死)となっているのだが、楽器編成からも推測できると思うが、オペラのような派手な動きや舞台上で誰かが肌をあらわにするということは一切ない。演奏者は4人とも初老の男性で背広を着て、淡々と渋く演奏していく。ただし、ところどころでドイツ語で曲についての説明が入ったのだが、筆者のドイツ語力が及ばず理解できないのがもどかしかった。もっとドイツ語勉強せねば。。。
プログラムは前半4曲、休憩、後半4曲。
前半は、ジョヴァンニ・ベネデッティ・プラッティ(1697−1763)のソナタ、フランシスコ・カポラーレ(1700−1746、イタリアのチェリスト、作曲家)のソナタ、オルランド・ギボンズ(1583−1625)のファンタジア、ベネデット・マルチェッロ(1686−1739)のソナタ。ギボンズを除き、ヘンデルと活動時期が重なっている。対位法を皆使っているが二台のチェロが同じ旋律を受け渡すと、親密な会話を聞いている感じが強い。オケで対位法を用いる場合より一層、対話的な印象を受ける。これはこれで大きな編成のオーケストラ曲やオペラとは異なる魅力があるものだ。
後半は、マルタン・ベルト(1691−1771)のトリオ。短い曲。ヨハン・ヤーコプ・フローベルガー(1616−1667)の「来るべき私の死への瞑想」は前述の通り、チェンバロ(ハープシコード)の独奏曲。フローベルガーは17世紀の人だが、ロマン派に先立つこと200年、表題音楽を数多くものしていてこれもその1つ。ゲオルク・フィリップ・テレマン(1681−1767)のソナタ。これは1楽章ごとにオルフェオとエウリディケの神話とのつながりを説明してくれたのだが、当方のドイツ語力不足のため細部は不明。調べてみると、テレマンはオルフェオもののオペラを書いているのだが、それと関係しているのだろうか。最後が、ヘンデルのソナタ。
二人のチェリストはDimitri DichtairとGerhart Darmstadt。1人は常に5弦のチェロで、弓も短く持ちいかにも古楽器という感じ。もう1人は4弦と5弦のチェロを使い分け、弓の持ち方はそれほど短くない。三台(三梃)ともエンドピン(床と本体の間の金属ピン)はない。ビオラ・ダ・ガンバのように膝の間に抱える感じで奏でていた。
渋いといえば渋い曲目なのだが、オペラの時よりは若者の比率が高かった。チケットの値段のせいなのか、若者は演奏者の縁者だったり、お弟子だったりするのかは不明。オペラの観客の平均年齢が高いのは一目瞭然であった。
こういうコンンサートのおかげで初めて知る曲目、初めて知る作曲家もあり、バロック音楽の厚み、ドイツにおける音楽文化の厚みの一端を知る思いがした。

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「女王たちのための音楽」

「女王たちのための音楽」と題した音楽会に行ってきた(カールスルーエ、Evangelische Stadtkirche)。

会場は教会である。天井は高く暖房は効かない。聴衆の多くがコートやマフラーを身にまとったまま教会の長椅子に座っている。
曲目は4つですべてヘンデル。最初は《ソロモン》からシバの女王の入城で、曲は誰でも聞けばあれかというポピュラーなもの。しかし、この曲で判明したのは、教会で早いパッセージを弾くことの困難さだ。残響が長い(天井が高いから行って帰ってくる時間が長いのだと思う)ので、フレーズがどんどんかぶってしまうのだ。合奏していて、対位法的に同じメロディをヴァイオリンが弾いたり、チェロが弾いたりする場面が、聞き取る方も困難を極めたので、弾く方も相当に大変で、オーボエ奏者なども吹きにくそうだった。そのため、指揮のクリスチャン=マルクス・ライザーは拍をくっきりと表示していた。
次は「アン女王のための誕生日のオード」これは3人の独唱者と合唱とオーケストラ(この日のオケはカールスルーエ・バロックオーケストラで、オペラの時のオケとは別であるが、こちらも大変優秀なオケである)。
曲自体は、女王様への歯の浮くような賛辞が続くわけで、書き出しはEternal Source of light divine (神々しい光の永遠の源)とアン女王を讃えているのだと思う。あるいはそういうありがたい存在のアンがお生まれになったことを神に感謝しているのだと思う。これはテンポがゆっくり目なのだが、オペラと異なり、一音節に対して非常に長く数多くの音符が当てられている。
オペラでもアジリタの場面ではそういう事象は生じるが、ここではゆったりと歌いつつ一つの音節が多数の音符で引き延ばされるので独特の感じが生まれる。
これをソプラノ、カウンターテナー、バリトンの独唱者と合唱が交互に、時に2人の独唱者は重なりつつ歌っていくのだが、出色の出来だったのは、Cameron Shahbazi という若手のカウンターテナーだ。澄んだノンヴィヴラートの声であるのはカウンタテナーに珍しいことではないが、フレージングが的確で、かつ声に芯があり響き渡る。ソプラノの Margo Arsanと比較しても全く音量でも引けを取らないし、表現力は完成度において勝っていたと思う。
曲の性格上、アジリタの場面がないので、その点は全く未知数であるが、個人的にはバロックオペラを歌うのを是非聞いてみたい逸材である。ルックスも個性的で、イラン系カナダ人とのことで、今回がヨーロッパデビューとのこと。
3曲目はコンチェルト・グロッソ op.3 no5 で器楽曲。
4曲目が「キャロライン王妃の葬送頌歌」この曲の冒頭を聞いて驚いたのは、モーツァルトのレクイエムとの類似だ。メロディーが似ているというのではなく、短いパッセージを重ねて呟くように音楽が進むという構造が似ている。モーツァルトはヘンデルのメサイアを編曲しているほどなので、この曲も知っていたのかもしれない。何度も述べているように、教会の残響の長さを考慮に入れると、短いフレーズで、切れ切れになって、それを連ねていくのは大変効果的である。間が空くことで、残響が一旦整理されるし、異なったパートが呼吸を合わせやすくなる。

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2018年2月26日 (月)

《セメレ》その2

ヘンデルの英語オペラ《セメレ》を再び観た(カールスルーエ)。

2度目になると演出のあらましが既知のものとなる、つまり、手口がわかっているので細部まで理解できるようになるが、その結果、賛成できる点も増え、疑問点も増える。
 
しかし、一層、考え込んでしまったのは指揮についてなのでそれについて書く。《アルチーナ》でのオケがあまりに素晴らしかったので何が異なっているのか考えた。
1。当然だが曲が違うので、オーケストレーションも異なる。
 《アルチーナ》の方が木管も金管も種類が多く、華やかである。
2。曲想としても《アルチーナ》の方が、ダカーポアリアの中で、ABAあるいはABA' と言う構成でAとBがかなり大きなコントラストを見せることがままあり、変化、ヴァラエティに富んでいる。
と言うことを認めた上でなのだが、
 クリストファー・モウルズという指揮者の指揮ぶりの特徴とそのメリット・デメリットを考えてみたい。
3。彼の指揮は、なんというか隅々まで丁寧で手抜きがない。そういう指揮ぶりにありがちだが、テンポは全体に遅め。かつ、丁寧に一音一音を拾おうとするので、装飾音に勢いがない。テンポが遅くても早くても、弾まない、スイングしない。ピターっと楽譜に吸い付いて地に足がついてすり足で移動するようで、たまにはスキップしてみたら、と言いたくなる。
ヘンデルの曲は、緩急が適当に交代し、エキサイティングな速いテンポの曲があって、ふっとリラックスしたゆったりとした叙情的な曲が来たりするわけだが、このコントラストが特に第一幕では非常に弱かった(そのせいか、各アリアの後でも拍手がほとんどなかった)。
ひたすら生真面目ということと関連するのだろうが、第一幕のセメレとアタマスの破談にしても悲劇といえば悲劇なのだが、彼女が憧れているのはジュピターなので、なんというか笑える悲劇である。しかもセメレの妹のイーノはアタマスを狙っている。イーノの嘆きを、ロマン主義的にべたっと感情移入させるような調子で歌わせるのはどうかと思った。相当、皮肉が効いていてニヤニヤして聞けば良い場面だ。実際、演出(演出家の解釈がいつも正しいというつもりはないけれど)は、そういうくすぐりを何箇所にも入れていて、本作品の場合、それが全く理にかなった解釈だと思う。
 18世紀という時代、その文学の傾向、そしてそれを音楽的にどう表現するか、という点で大いに疑問が残る演奏(指揮)だった。
 ただし、こういうタペストリー的(メリハリの効いた指揮を絵画的とすると)な指揮のメリットもあって、オーケストレーションは隅々までわかる。ヘンデルは同じ音形の伴奏が繰り返されることがしばしばあるが、同じように丁寧に演奏するので、いやでも耳に残る。
 ジュノーとセメレのベッドシーンで二人が興奮している(はずの)場面など、もっとアップテンポでなければ。興奮したら、脈拍が速くなるのであり、音楽のテンポは自然に速くなるものだ。各アリアの後にほとんど拍手が入らなかったのは、歌手の力量不足という面よりも、指揮によるテンポやリズム、スイング感のなさで、ノレないからだったと思う。
 大きな拍手はセメレの長いアリアでアジリタを披露した曲のみだった。
 オケは《アルチーナ》の時と全く同じなので、躍動感とか、弾むリズムを表現できないオケでは決してないのは言うまでもないことだ。曲にとって、歌手にとって、勿体ない場面がいくつもあった。オケに対しては惜しみない拍手。

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2018年2月25日 (日)

《アルチーナ》

ヘンデルのオペラ《アルチーナ》を観た(カールスルーエ)。

指揮はアンドレアス・シュペリング。実演を聴くのは初めてだったが、実に素晴らしい指揮者であり、ドイツ・ヘンデル・ゾリステンも実力を遺憾なく発揮しており、非常に高い満足を感じた。
シュペリングの指揮は、古楽器のオーケストラの特徴を生かしてアタック音をくっきり聞かせるところもあれば、レガートをたっぷり用いて旋律のラインを綺麗に聞かせるところもあり、テンポも猛然と突き進むところもあれば、ゆったりと歌手に合わせて歌わせるところもある。ヘンデルの書いた音楽自体が、《アルチーナ》ではとりわけ変化に富んでいる。弦だけでなく木管も金管も総動員で突っ走る3幕のルッジェーロのアリアは、聴衆を興奮の渦に巻き込んだ。しかし、だからと言って歌手を軽視する強引な指揮ではない。歌手の声量が小さければ、オケの音量を抑えるし、テンポも基本的に歌手に合わせているように見えた。

演出のジェイムズ・ダラーも悪くなかった。《アルチーナ》は、アリオストの長編物語詩『狂えるオルランド』が原作の、魔女が主人公のオペラだ。魔女アルチーナは妹のモルガーナとある島に暮らし、そこにやってくる人間の男を魅惑し、その果てに次々に獣や岩や波に変えてしまう。ところが、アルチーナはルッジェーロに惚れてしまう。そしてアルチーナの妹の魔女モルガーナはルッジェーロの婚約者ブラダマンテが男装してリッチャルドと名乗った(男)に惚れてしまう。ブラダマンテはルッジェーロを探しにメリッソを連れてやってきたのだ。

 アルチーナを歌ったレイラ・クレアは、声量はあるがロマンティックな歌い方でややバロック的様式から外れる。感情移入が過多でテンポが遅くなってしまう。それに対し、モルガーナを歌ったアレクサンドラ・クバス=クルックは、アジリタ、声量、感情表出のバランスがとても良くとれていて観客の拍手もさらっていた。 ルッジェーロはカウンターテナーのデイヴィッド・ハンセンで輝かしい高音部と控え目な中声部の持ち主だ。ブラダマンテ役のベネデッタ・マッツカートはアルトで発音は綺麗でアジリタも回るのだが、響かないというか声量が小さめなのが惜しいと思うところが何箇所かあった。オロンテ役のテノール、アレクセイ・ネクリュドフも落ち着いた歌唱に好感が持てた。

演出で、魔女の魔法からルッジェーロが目覚めるのを黄金色のガウンを脱ぐことで象徴させたのはわかりやすく巧みであると見た。アルチーナの魔法が破れる場面はツボが壊されるのではなく、映写機のフィルムが破棄されることで表象されていた。

《アルチーナ》ではダ・カーポアリアでもAとBの曲想にかなりコントラストのあるものも多く、音楽的表情の変化に富んでいるが、指揮・オーケストラはその表現を常に適切に、音楽的に演奏し、聞き手に音楽的な喜びを与えてくれた。カーテンコールでも指揮者とオケに対する拍手は惜しみないものだった。


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2018年2月24日 (土)

《セメレ》

ヘンデルのオペラ『セメレ』を観た(カールスルーエ)。

ヘンデルのオペラはほとんどがイタリア語台本で、オラトリオは英語台本なのだが、この作品は例外的に英語台本のオペラである。ストーリーはオウィディウスの『変身物語』に基づいており、コングリーヴによる英語台本。
神々の長でありながら浮気者のジュビターと人間の女性セメレをめぐる話。セメレはアタマスと結婚直前なのだが、ジュピターに心惹かれていて、結婚式は雷も落ちて中断となる。実はセメレの妹イーノはアタマスに心を寄せている。
ジュピターの妻ジュノーはお冠でセメレの居所を突き止め、さらにジュピターと人間の姿でなく神として交わるようそそのかす。そんなことをしたらセメレは死んでしまうのだ。このエピソードはジュノーの侍女イリスも含め、コミカルな場面がたくさんある。
最後はとってつけたように, Happy, happy の大合唱なのだが、ジュピターはさっそく別の女性に目をつけているというオチ。
ヘンデルであるから、英語であろうと、巧みに様々な曲想のアリアを次から次へと繰り出し飽きることはない。指揮はクリストファー・モウルズ。地味で手堅い音楽作り。
演出はフローリス・ヴィッサー。パンテオンを小さくしたような建物を真っ二つにしたものが舞台上にあって、そこの中とドアから外に出てドラマが展開する。室内は、場面によって結婚式場であったり、セメレが隠れ住んでいる場所になったりする。建物全体が回転することによって場面転換する仕掛けになっていた。
ジュピターはアメリカ大統領になぞらえられていて、記者会見もあるし、モニター画面でCIAのマークが出てきたりする。
ストーリーがもともとそれほど感情移入して涙するという話ではないので、いかに演出して笑わせるかに演出の眼目があると思われる。DVDではバルトリ主演のものがあるが、ジュノーとイリスとソムヌスのやり取りが最も笑いを取るところだ。ソムヌスに仕事をさせるため彼の憧れの女性で釣るのだが、バルトリ版ではイリスがその女性に化けるのに対し、今回の演出では写真や画像を見せるうちに、本物のその女性が登場するという仕掛けになっていて楽しめた。
セメレはAnna Devin, ジュピターはRandall Bills, アタマスはTerry Wey, ジュノーはKatherine Tier, イーノは予定が変更になりZilara Bastar, イリスはHannah Bradbury, カドムスはKs Edward Gauntt, ソムヌスはYang Xu, キューピッドはIlken Alba. セメレのアンナ・デヴィンは
バランスのとれた優れた歌唱を聴かせた。他の歌手も粒が揃っていたと言えよう。
ヘンデル音楽祭の方針なのか、DVDやCDでカットされている曲、バレエの場面も入っていた。
 

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ヘンデル・ゾリステン・コンサート

ドイツ・ヘンデル・ゾリステンのコンサートを聴いた(カールスルーエ)。

指揮はリナルド・アレッサンドリーニ。CDで彼の指揮を聞いてはいたが、実演は初めて。彼の指揮はリズムがスイングするときには腕全体と胴体がスイングし、対位法が用いられているところでは右腕と左腕が交互に大きく揺れて、指揮する姿自体から音楽の形が読み取れる。
曲は、ヘンデルの時代を多角的に捉えようと意図が感じられる。前半は、Georg Muffat (1653-1794)のArmonico tributo, Sonate No5 (1682), Francesco Geminiani (1687-1762) の Concerto grosso, e-Moll, op.3 no3 (1733), Arcangelo Corelli (1653-1713) の Concerto grosso D-dur, op.6 no1 (1712)。Moffat のものはやや単調で、ジェミニアーニの曲が、ヴィヴァルディの四季を思わせるところもあり、さらに前衛的な響き、曲調の大胆な変化があって面白かった。
後半はヘンデルの世俗オラトリオ『アポロとダフネ』(1712)。バロック時代の作曲家にはありがちなことだが、他のヘンデルのオペラで聞き覚えのある曲(『デイダミア』かと思ったが自信がない)がオーケストレーションは違うが出てきた。コンサート形式なので、演技や舞台装置はない。声楽が入ると、コンチェルト・グロッソとは違いストーリー性が出てくることはわかるが、オペラまではいかない。ヘンデルもいろいろな形の音楽を書いたものだと改めて思った次第。ヘンデルのオラトリオでは前半からオーボエやファゴットが加わり、オーケストレーションもカラフルであった。オーケストラの人数は20数名で、ヘンデルの時は30名前後だったように思う。このサイズのオケはヘンデルやバロックにはとても好ましい。リュートやテオルボが出てくるともっと人数が少なくても良いのかもと思うことすらある。テオルボはチェンバロと同時に演奏することが多いのだが、他の楽器も同時だとなかなか音を拾いにくいのである。
演奏のレベルは高いと思った。歌手はアポッロを歌ったバスバリトンのアンドレアス・ヴォルフが大変良かった。声がしっかり出ているだけでなく、歌詞をしっかり把握してそれを伝えるテクニックが確かで安心して音楽に浸っていられる。ダフネのソプラノ歌手レベッカ・ボットーネは名前からするとイタリア系なのかもしれないがイギリス人でやや発音が甘いところがあった。
全体としては、大いに満足したコンサートであった。

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