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2017年3月31日 (金)

『ダ・ヴィンチ絵画の謎』

齊藤泰弘著『ダ・ヴィンチ絵画の謎』(中公新書、1000円)を読んだ。

ダ・ヴィンチ絵画の謎と言えば、モナリザは誰か、なぜ微笑んでいるのか、というのはこの絵を見た人のほとんどが抱く思いであろうし、私のような全くの素人でも、モナリザのモデルと言われている女性にはいろんな候補がいる、ということは昔から知っていたし、周知のことと言って良いだろう。
本書では、著者自身の研究と最近の様々な学者の研究によって明らかになってきたことを、ある時には著者が他社の研究に同意しつつ、ある時は対比的に紹介して、読者も自分なりの考えを持つことを促す書物である(と思う)。
レオナルドの母は異国出身の女奴隷だったのではないか、その可能性がかなりある、というのは衝撃的な話であった。当時のフィレンツェでは異国出身の女奴隷が有力な家庭では働いており、主人の子を生むこともあったと言った当時の状況が解説される。
本書では、素人の問いに著者が答えるという形をとっている部分がかなりあって、その答えは著者の独断ではなく、レオナルドが残した手稿から相当する部分が抜き出されるという仕組みになっており、叙述が一方通行に陥っていない。
モナリザのモデル問題に行く前に、とても丁寧にレオナルドの自然観が検討される。その時代に支配的だった考えとレオナルドのそれがどう違うか。レオナルドは、昔は地球を全て水が覆っていて海だったが、土地が隆起して陸地になったと考えていた。また、やがてはこの世界の破滅の日が来るとも考えていた。この自然観は図解入りで詳述される。それを踏まえて読み進めて行くとモナリザの背景の右側と左側の風景の様相の違いの理由が解き明かされた時に腑に落ちるのである。
モナリザ及びジョコンダ夫人が同じなのか違うのか、またそのモデルは誰なのかについては、先行する諸説、最近の研究で明らかになったこと、そして著者の説が詳しく解説される。
著者は潔く自分はこう考えるとはっきり言明する人である。他人の説を並列してあとは読者の判断に任せるという態度は取らない。だからこそ、読者は、著者と自分の考えを付き合わせて考えることを求められていると言えよう。考えるための材料は惜しみなく与えられ、なおかつ新書だがカラー版で絵画も鮮明、拡大した細部なども掲載されており、叙述の理解に大いに役立つ。

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2017年3月24日 (金)

『図解雑学 バロック音楽の名曲』

宮崎晴代著『図解雑学 バロック音楽の名曲』(ナツメ社、1650円)を読んだ。
良い本だと思うが、残念ながら古書でしか入手できない。本来CDが2枚付属しているのだが、古書のためCDが欠けているものもあるので、購入の際には注意が必要だ。
こういった音楽の本にCDがついているのはとても便利で親切だと思うし、この本の場合、CDにはいっている楽曲が必ず本文で紹介されているので対照する甲斐がある。
欧文の本で僕が経験したものだと、テクストは古楽器を紹介しており、CDも古楽器演奏なのだが、その両者の間にタグ付けがなくて、CDを聞いていてこの楽器の記述はどこにあるのかなと思ってもとても探しにくい構造になってしまっているというものがあった。
幸い、この本はまったくそういうことはない。見開きで、左側に曲の背景や解説、右側には、作曲家はこんな人というコンセプトのもとに写真や肖像画、簡略な年表と地図が掲載されている。この地図が親切で良い。ドイツの作曲家なら1つにまとめてしまうのではなく、各作曲家ごとに必ず出てくるので、左のページでリューベックがでてきて、どこだっけと思ったら、必ず右ページに地図がのっているのである。この親切さは、受験参考書に似ているような気がする。
第一部の名曲および作曲家紹介がメインなのだが、第二部以降でバロック期の楽器の紹介や、時代背景の解説もあり、構成としてしっかりしていると思う。普段は、通史的性格のものは読まない(必要な部分だけ拾い読みすることはあるが)ので、たまにこういうものを読むと、ふだん親しみのない作曲家、たとえばヴァイスがリュート曲の作曲家としては重要なのだとわかったりするのだった。

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2017年3月20日 (月)

寺西肇著『古楽再入門』

寺西肇著『古楽再入門』(春秋社、2800円)を読んでいる。

個人的に、ここ数年来、バロックオペラを熱心に観たり、聴いたりするようになって、その時のオーケストラは古楽器が比較的多く、しかし時にはモダン楽器のこともあって、自分の中の感性の何かが変わった気がする。
1980年代にアーノンクールやピノックやホグウッドをCDで聞いた時は器楽曲中心で、バロックの演奏法も昔と変わったし、音の感じもシャカシャカ軽いなあという受け止めであった。
しかし、バロックオペラを聴き出して、まずは歌手の唱法がヴェルディ、プッチーニを歌う人たちの典型的な歌い方と、ヘンデルやヴィヴァルディの歌う人たちの典型的な歌い方では異なることに気がつく。無論、中にはレパートリーが広い人もいて、両方歌っている歌手もいるわけだが、概ね住み分けがあって、一方のレパートリーに他方を専門とする人が混じっていると違和感を生じる場合もある。カウンターテナーでバロックレパートリーをメインとする歌手にヴェルディ、プッチーニを歌う女性歌手が唱法を調整しないで混じった場合には、様式感が合わない。歌舞伎に新劇の役者がたとえ衣装だけ身につけても溶け込めないのと同様だ。
やがて声だけでなく、楽器の音の響き方やフレージングの違いも気になってくる。古楽器やピリオド楽器とモダン楽器が違うというのは昔から知っていたのだが、細かいところは判らない。例えば、ストラディバリウスは何百年も前に製作されたのだから古楽器なのになんでモダン楽器として演奏されているのか?この本はそんな疑問に明快に答えてくれる。ヴァイオリンはバロック時代と現代ではネック(棹)の角度が浅く、魂柱は華奢にできている。それは演奏会場が貴族の館などであり、聴衆の数は少なく、大音量が必要とされていなかったからだ。また、標準ピッチも低かった。それが時代が下るにつれて、ガット弦に遅い銀線が巻かれ(知らなかった!)ついにはスチール弦も使われるようになった。大きな弦の張力に耐えられるように本体も改造された。ストラディヴァリやグァルネリも大抵の場合、改造されて表いたと裏板が別の楽器のものになってしまったケースもあるとのこと。
さらにはバロックヴァイオリンといっても地域差があって、バッハ時代のライプツィヒはネックの角度が浅いが、ヴィヴァルディ時代のヴェネツィアのピエタ修道院で使われていた楽器はネックの角度がモダン楽器と大差がなかったというのだ。
このほか弦に関してガット(羊の腸)弦では、地域によって羊が食する資料や生育環境の違いで腸の品質に影響し、音が変わるという。
弓についての記述も極めて興味深い。単に聞いているだけでもモダン楽器の奏者は均質さを重視し、どこで弓がかえったかわからないような弾き方をするが、バロックではダウンボウでは重みがかかり多く圧がかかり、アップボウでは解放されて軽くなり、両者の対比が明確、呼吸するようなフレージングとなる。
モダン楽器は、音の均質さを追求していることがわかりやすいのはピアノだろう。鍵盤楽器の中でもそれまでは撥弦楽器だったのに、打楽器的性格になってしまったわけで、これは楽器だけの問題ではなく、西洋近代というのが目指した方向性を象徴的に現れていると思う。
本書はもちろん、ヴァイオリン系列とヴィオラ系列の違いも明快に説明してくれるし、フォルテピアノやチェンバロについての話もある。
最初に楽器についての章を紹介したが、実は第1章はメンデルスゾーン以降の古楽復興の歴史であり、第2章は概ね20世紀以降の各国での古楽復興に際して活躍した人・団体の紹介である。
それぞれの章に「読む・聞く・観る」という参考文献・ディスクのコーナーが註釈つきであるのも大変親切だ。

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2017年3月 7日 (火)

バリトンという楽器

バリトンといえば通常はある音域の歌手をさすが、最近テレ

ビでヴィオラ・ダ・ガンバの一種であるバリトンという楽器

を見た。

 

これは、イタリア語ではヴィオラ・ディ・ボルドーネという

らしい。

 

テレビというのは、NHKのドイツ語番組で、旅するドイツ

語という。2016年度からイタリア語もスペイン語も旅する

〇〇語という風にタイトルが変わったのである。タイトルの

変化に応じて、それぞれの語学の地に行ってオールロケにな

っている。旅するドイツ語の場合は、ヴィーン及びその周辺

の町が舞台なのだが、その中で、エスターハージ宮殿が紹介

され、その宮殿を建て、ハイドンの雇い主であったエスター

ハージ侯爵に言及があった。調べてみると、ドイツ語だとエ

スターハージでハンガリー語だとエステルハージのようだ。

 

名前もドイツ語ではニコラウスだしハンガリーだとミクロ

ーシュ。この侯爵がバリトンという楽器が好きで、ハイドン

は彼のために約160もの曲を作った。

バリトンはヴィオラダ・ガンバに似ていて床につけずに膝

に抱えて弾くが、棹(ネック)の裏に共鳴弦があるところが

大きく異なる。表の弦を弾きながら、裏の弦をはじいてもよ

いのだ。共鳴するので表の弦だけ弾いた時にも音色、響きは

独特である。

興味を持って4枚組のCDを買ってみた。ほとんどがヴィオ

ラ、チェロとのトリオ(三重奏)なのだが、中には八重奏の

曲もある。また、トリオには主題がキラキラ星を用いている

曲もあった。曲は概ね親しいもの同士の打ち解けた会話とい

った風情で、激しく攻めるような曲ではない。

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《デイダミーア》

ヘンデルのオペラ《デイダミーア》を観た(東京文化会館小ホール)。

セミステージで、バロック劇場の装置を模したように襖のような装置が何枚かある。衣装はドレスを着て、バロックジェスチャーにのっとった動き。バロックジャスチャーは、様式美があり、ヘンデルの音楽に合う。オケは弦、木管、金管合わせて13人ほど。小ホールだとこれで十分の人数であり音量だ。
歌手も声を大きく張り上げることに注力する必要が相対的に小さいし、オケに埋もれてしまう心配もほぼない。ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス、チェンバロの他にオーボエ、ファゴット、そして金管のトランペットとホルンがいたので音色の変化に欠けるところは全くなかったし、原雅巳氏の指揮、コンサート・ミストレスのリードよくキビキビとした音楽とゆったりとしたところでは表情豊かな細かい味わいを享受することができた。
この日のホルンはナチュラルホルン(ピストンがない)で音程はピストンが無い分、不安定になりがちだが、音色は独特のものがあり、ナチュラルホルンの音色はピリオド楽器によくマッチすると感じる。
ストーリは、バロックのオペラではままあることだが、トロイ戦争をめぐる話が元になっている。長い長い話の中でこの《デイダミーア》で扱われているのは、ある1つのエピソードだ。すなわち、アキッレ(将来の英雄)が生まれた時に、アキッレが参加しないとトロイ戦争に勝てないが、アキッレは戦場で死ぬ、という予言がなされた。そのため親は、スキュロス島のリコメーデ王にアキッレを預け、アキッレは念を入れて女の子として育てられる(女装している)。トロイで苦戦しているギリシア軍は、ウリッセ(オデュッセウス)とフェニーチェ(アルゴスの王子)を派遣して、この島にアキッレがいるのではないかと探らせる。リコメーデ王は否定するのだが、ウリッセが一計を案じて、狩をするのだが、お礼の品を持ってくるとデイダミーア(リコメーデの娘でアキッレの恋人)やその友人は宝飾品に目がいくのだが、アキッレは女装しているけれど、剣やカブトに夢中で正体がバレる。この正体がバレる場面は、つい最近まで気がついていなかったのだが、様々な画家が絵画の主題として描いている。
ヘンデルはこの場面、つまりアキッレがギリシアの勇者として祖国を守る戦いに行くぞ、という音楽と、それを聞いてデイダミーア(出征したらどういう運命が待ち受けているか知っている)が悲しむ音楽、そしてウリッセがこれは運命のなせるわざなのだと感慨を漏らす音楽、三者三様なのだが、この3つの音楽が明らかにこのオペラのクライマックスである。
ここでアキッレを歌ったのは民秋理(敬称略、以下同様)は、女性歌手であるが、男が女装しているという感じをストレートな歌いまわしに実によく表現していて見事だった。それを受けて悲しみを表出するデイダミーアの藤井あやは、前述のようにバロックジェスチャーにのせて悲しみを音楽的表情豊かに歌い上げるのだが、決してロマン派風にはならず典雅な歌に心うたれた。それに続くウリッセは佐藤志保で、声はやや細身であったが歌のスタイルは様式感を保っていた。
デイダミーアの親友ネレーアを歌った加藤千春の歌、演技も好演であった。ネレーアの部分はデイダミーアとはほぼ対照的で後のオペラブッファにつながって行くようなユーモラスな場面や歌が多いのだが、その性格を演技でも歌でも的確に表現していたので、デイダミーアとのコントラストが観客にもわかりやすく、それによって舞台・ドラマ自体の光と影がくっきりと浮かび上がるのだった。この上演では男性歌手はフェニーチェとリコメーデ、春日保人と藪内俊弥で、どちらも堂々たる歌。特にリコメーデはこの劇が単なる恋愛劇ではなく、政治的な劇(アキッレを参戦させたくない人と参戦させたい人の綱引き)の面があることを聴衆に示す役割を果たしており、そういった含蓄を歌に表現していた。
この上演はヘンデル協会によるもので、以前にこの作品にまつわるレクチャーなどもあったのだが、こうやって見てくるとこのオペラを恋愛ものと見ることも可能なのだが、同時に、アキッレやウリッセが、ヘンデル当時の誰を表象しているのかという政治的な読みをすることも可能だろうと思う。これはレクチャーで三ケ尻正氏が解説していた通りである。

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2017年3月 1日 (水)

《トスカ》

《トスカ》を観た(東京文化会館)。

二期会、指揮はルスティオーニ。彼の指揮は実に見事だった。スカルピアの「行け、トスカ」はオケが単調になりがちだが、彼が振ると同じリズムの繰り返しにスイングする部分が生まれ、リズムが生きてくる。
彼の指揮は、テンポ設定が巧みで、歌手が伸ばしてテンポが遅くなった時に、次のフレーズでさっと元に戻す、その戻し方が決してギクシャクしないですっと元に戻っている。また、弦の鳴らし方が、プッチーニが手放しで歌わせているようなところでも抑制の効いた上品な響きになっているので、通常の指揮者のプッチーニよりも幾分上品な感じになる。またその結果、弦と管楽器のバランスがよくなり、管楽器の音がよく聞こえるし、オケ全体の音色の変化が聴衆によく伝わる。
歌手はいずれも熱演だった。舞台は、いかにもイタリアの教会やサンタンジェロを思わせるオーソドックスなものであるところが良かった。

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《冥土の飛脚》

文楽の《冥土の飛脚》を観た(国立劇場)。

作者は近松門左衛門。文楽の場合、オペラと異なり、一作の全部を上演することはむしろ稀で、通して上演するときは通し狂言とわざわざ断るほどで、今回も淡路町の段、封印切の段、道行相合かご、が演じられた。
梅川忠兵衛という飛脚屋の若旦那が遊女梅川にいれあげ店の金を使い込み、破滅の道へという文楽にはままある話。淡路町の段とあるが、東京の淡路町ではありません。忠兵衛は、友人に渡すはずの金をごまかし遊女の身請けの金の一部にあててしまう。忠兵衛が三百両を持って取引先に届けようか、色街へ行こうか迷う場面が見せ所。金を「おいてくれう、いてのけう」と何度も繰り返す。置いてこようか、(色街へ)行ってしまおうか、という意味であろう。義太夫の台詞回しが見事。封印切の段は、場面が廓。忠兵衛は、見栄っぱりで、金があるところを見せようとして、金貨の封を切ってしまう。
道行きは、駆け落ちの場面。形式的には身請けの金を払ったものの横領した金であることはいつかバレる。二人は死を覚悟で、忠兵衛の故郷へ向かう。

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《ベルファゴール》

レスピーギのオペラ 《ベルファゴール》を観た(初台、新国立劇場、中劇場)

カンディダという女性とバルドが恋仲なのだが、地獄からやってきた悪魔ベルファゴールは、カンディダの父に大金を渡し、カンディダとの結婚を申し込む。
ベルファゴールは人間の女性というものとの結婚がどんなものかを知るために地獄から派遣されたのだ。金を渡されたカンディダの父は、それなら私の妻をどうぞ、などと言うセリフがあって、冒頭からオペラ・ブッファの雰囲気が濃厚である。
形式的には結婚した後もカンディダはベルファゴールの愛を受け入れない。それどころか、スキを見つけてバルドと駆け落ちをする。
前半の喜劇的な部分では音楽は雄弁に状況を語っている。しかし後半、カンディダとバルドの恋愛感情の表現になると、ヴァーグナー以降の悪弊で、アリア的な曲がなく、メローディアスな快感が得られない。レスピーギももったいないことをしたなあ、と言う感じを勝手に抱いた。しかし、演じようによって相当、面白い劇であり、特にブッファなところは音楽的にも聞きがいがあると思った。
CDは入手困難であるし、Youtube にも画像なしの演奏が1つ上がっているだけであまり録音状態も良くない。やはり日本語字幕付きで見ると、音楽劇の劇の部分はとても良くわかる。つまり、どんなセリフのところにどんな表情の音楽が付されているかが分かるので、ありがたい。レスピーギのオペラはもっと見直されて良いのかもしれない。このオペラの初演は1923年であるから、プッチーニの《トゥーランドット》やベルクの《ヴォツェック》と近い訳である。20世紀のオペラの浮沈を考える際にも意義深い公演に出会った。

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